Belleza + Realismo = Arte clásico

 Belleza + Realismo = Arte clásico

La pintura realista tiene una larga historia que se remonta a los antiguos griegos. Así como el arte clásico grecorromano se esforzó por representar la forma perfecta, los artistas del alto Renacimiento revivieron el clasicismo al pintar la belleza de manera realista.

El clasicismo enfatiza la proporción armoniosa, la estructura simple y la asimetría. El resultado es una belleza natural noble y pacífica. No se trata solo de representaciones realistas de objetos naturales, sino de mostrar una forma ideal y perfecta, es decir, un espíritu eterno y nobles valores.

Para los pintores clásicos, la forma perfecta representa la quietud, la contención y la elegancia. Inspirados por esculturas y objetos antiguos, los artistas del Renacimiento aprendieron a representar la belleza tanto ideal como realista. Así, crearon obras de arte que marcarían el estándar para las generaciones futuras de artistas.

La Italia renacentista

Los pintores italianos del Renacimiento fijaron un alto nivel para los artistas europeos que vinieron a Italia a estudiar los descubrimientos arqueológicos, así como nuevas técnicas y conocimientos.

Influenciado por la pintura flamenca, Antonello da Messina (1430-1479), fue el primero en introducir técnicas de pintura al óleo en Venecia, las cuales se popularizaron por toda Italia.

Desde entonces, los pintores italianos, conocidos por sus técnicas realistas, hicieron grandes avances artísticos. Se normalizó el sistema de aplicar una capa de pintura base para acondicionar el lienzo y dibujaban bocetos al estilo de los frescos.

Ahora bien, esto ensombreció el trabajo. Con la ayuda del óleo, Leonardo da Vinci utilizó su efecto de claroscuro único para lograr volumen en el modelado de objetos tridimensionales, como el cuerpo humano y creó un efecto tierno y pacífico.

Como se muestra en “La escuela de Atenas”, el pintor de frescos Raphael Sanzio, aprendió de maestros anteriores. Luego, en su “Virgen con el niño”, retrató la imagen más pura y hermosa de Santa María. Su Virgen y el Santo Niño son nobles y elegantes. La ropa y los accesorios son vívidos y refinados. En la «Transfiguración», pintado en sus últimos años, Raphael combinó ingeniosamente dos escenas diferentes en un lienzo, las cuales interactúan entre sí. Las vívidas expresiones y el lenguaje corporal impactan al espectador. Con esta pintura, Raphael llevó el óleo renacentista a otro nivel.

Raphael Sanzio: La Virgen y el Niño

Los comerciantes encargaban a los artistas del Renacimiento pinturas murales. Grandes lienzos sustituyeron a los paneles, con pinturas al óleo de gran proporción. Esto popularizó las pinturas en lienzo y el óleo se convirtió en dominante, debido a su amplia gama de expresión.

En «Transfiguración», pintado en sus últimos años, Raphael combinó ingeniosamente dos escenas diferentes en un lienzo. (artrenewal.org)

Las academias de arte

En 1562 Giorgio Vasari estableció la primera academia de arte del mundo en Florencia, Italia: Academia del’Arte del Disegno. Aquí se enseñaron técnicas de pintura, así como anatomía y geometría. Una década más tarde, Roma fundó la Accademia di San Luca, que puso mayor énfasis en las teorías del arte.

En 1648 Luis XIV reorganizó la Real Academia de Pintura y Escultura, siguiendo el modelo romano. La Academia Francesa enseñó que el dibujo debería atraer a la mente y al intelecto en lugar de a las emociones. Los estudiantes aprendieron a representar objetos con precisión. Se incluyó la perspectiva, proporciones de la figura humana, composición geométrica y contraste de color.

Otras academias, como la Real Academia de Inglaterra, siguieron el modelo francés. Estas escuelas permitieron el continuo desarrollo de las teorías, y llevaron el arte clásico occidental a su cenit.

 “Un dibujo debe tener el máximo significado moral con una estructura inteligente”, comentó Nicolas Poussin, pintor francés del siglo XVII. Este comentario refleja la columna vertebral del arte académico. No se trata solo de técnicas para reproducir de manera realista una escena. El arte representa el espíritu clásico y sirve de ejemplo positivo para la sociedad.

A mediados del siglo XVIII, el descubrimiento de Pompeya y Herculano, inspiró un nuevo interés por el arte clásico antiguo. Los utensilios, pinturas y edificios desenterrados permitieron estudiar directamente las artes clásicas griegas y romanas.

La era napoleónica y el neoclásico

A principios del siglo XIX, Napoleón adoptó el estilo conocido como neoclasicismo. Admirando el estilo majestuoso y los ideales espirituales del arte antiguo, Napoleón pidió a los eruditos estudiar objetos clásicos. No es una simple imitación del arte grecorromano. El neoclásico revive la estética clásica y abraza valores morales y espirituales.

El pintor oficial de la corte de Napoleón, Jacques-Louis David, pintó temas mitológicos y eventos contemporáneos con enfoque clásico. Presentó asuntos morales de manera teatral, y es admirado por su composición impecable, inspirada en la pintura del Renacimiento.

Podemos afirmar sin lugar a dudas, que el arte realista es la representación por excelencia, del esfuerzo humano por acercarse a la perfección divina. Aunque la aparición de la fotografía sirvió como argumento para desvirtuar este modo de expresión, hoy día entendemos que se trata de un medio diferente, el cual no compite con el arte tradicional. Si los artistas hubieran entendido esto en el Siglo XIX, tal vez aún gozaríamos del verdadero arte clásico

Traducido de The Epoch Times

Foto portada: El pintor oficial de la corte de Napoleón, Jacques-Louis David, favoreció los temas mitológicos así como los eventos contemporáneos para abrazar el enfoque clásico. (artrenewal.org)

Fondo musical: The best of Mozart – https://www.youtube.com/watch?v=Rb0UmrCXxVA&t=542s

Narración: Viviana Núñez

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